что делает наши сегодняшние дома такими разными такими привлекательными
Поп-арт
С чего начался поп-арт
Художники исследовали отношения между искусством, наукой и дизайном — так в 1958 году появился поп-арт. В этой части — подробнее о том, как создавалось это направление.
1. Ричард Гамильтон. Интерьер II, 1964
2. Найджел Хендерсон. Мужская голова, 1956
3. Джон Макхейл. Обложка для журнала The Architectural Review, 1956
4. Эдуардо Паолоцци. Доктор Пеппер, 1948
Поговорим о том, с чего начался поп-арт. Для этого отправимся в Великобританию середины XX века 👇
🖼 В 1956 году в Лондоне прошла выставка «Это — завтра». Ее устроили художники «Независимой группы» (Independent Group) — Ричард Гамильтон, Найджел Хендерсон, Джон Макхейл, Эдуардо Паолоцци. Они исследовали отношения между искусством, наукой, технологией, дизайном и поп-культурой.
*Впервые термин поп-арт (Pop Art) использовал участник «Независимой группы», критик Лоренс Эллоуэй в эссе 1958 года «Искусство и средства массовой информации».
🍿 Художники обратились к американской культуре. Так они выступали против замшелого европейского модернизма. Высокомерная и снобская Европа считала все американское вульгарным и бессмысленным. А США в свою очередь предлагали изобилие и яркое будущее.
🛒 Поп-арт восхищается рекламой, хоть и высмеивает ее. Поп-артисты хотели сделать искусство таким же привлекательным для потребителя. Коллажи из рекламных буклетов и журналов — предтеча клипового мышления, когда внимание не задерживается долго на чем-то одном.
🎓 Следующее поколение британского поп-арта — студенты Королевского художественного колледжа: Рональд Брукс Китай, Патрик Колфилд, Дэвид Хокни и Аллен Джонс. Они включали мотивы поп-культуры в свои ассамбляжи.
Эдуардо Паолоцци
1. Циклоп, 1958
2. Я была игрушкой богатого мужчины, 1947
3. Взбитые сливки, мед, арахис, лимонный чай и другое, 1967
4. Дональд Дак встречает Мондриана, 1967
5. Фасоль, 1972
6. Последний из идолов, 1963
7. Диана как двигатель I, 1963—1966
Начнем разговор о британском поп-арте с Эдуардо Паолоцци (1924-2005) — шотландского скульптора и художника-графика итальянского происхождения.
Познакомимся с ним поближе 👇
🇮🇹 Родился в Эдинбурге в семье итальянских эмигрантов. Его отец был в восторге от Муссолини и на лето отправлял сына в Италию в фашистский лагерь. С началом Второй мировой Эдуардо попал за решетку в Великобритании как «враждебный иностранец» — это отбило его интерес к политике.
➰ Паолоцци учился в школе Слейда — главном рассаднике лондонского модернизма. Делил мастерскую с Люсьеном Фрейдом, подружился с Фрэнсисом Бэконом. Начинал со сложных бронзовых скульптур с нервной фактурой — их вместе с работами других послевоенных художников определили как «Геометрия страха».
✂️ Еще в 1947 годы Паолоцци создал коллаж «Я была игрушкой богатого мужчины» (“I was a Rich Man’s Plaything“). Он уже использует яркие узнаваемые образы из американских рекламных журналов — прием поп-арта.
☕️ С начала 1950-х стал членом «Независимой группы» — кружки интеллектуалов, которые собирались в лондонском Институте современного искусства и обсуждали, как мода, поп-музыка, кино, технологии и массмедиа влияют на художественный процесс.
🖼 «Независимая группа» сделала две эпохальные выставки: «Параллель жизни и искусства» (1953) и «Это — завтра» (1956). Применительно ко второй выставке критики впервые использовали термин «поп-арт».
🤖 Паолоцци пришел к принципу «все сгодится» (anything goes), который радикально изменил его пластику: так появились скульптуры-роботы из крашенного кислотными цветами металла — новые идолы постиндустриальной цивилизации, которые принесли художнику мировую славу.
🎷 Критики находили в работах Паолоцци джазовые ритмы и ацтекские мотивы — а еще низкопоклонство перед поп-культурой Америки. Сам Паолоцци всегда настаивал, что его искусство — плоть от плоти европейского сюрреализма.
Ричард
Гамильтон
Ричард Гамильтон (англ. Richard William Hamilton; 24 февраля 1922, Лондон, Великобритания – 13 сентября 2011, Лондон, Великобритания ) – британский художник и коллажист, один из основателей художественного течения поп-арт. В своих работах, посвященных американскому обществу потребления, Гамильтон заложил основы поп-арта, определил его цели и идеалы. Родился в семье из рабочего класса, но с детства был увлечен рисованием. Уже в 12 лет начал посещать вечерние курсы, а в возрасте 16 лет был принят в Королевскую академию художеств. Обучение пришлось прервать из-за начала Второй Мировой войны. В начале 1950-х Гамильтон стал членом «Независимой группы» и познакомился с Эдуардо Паолоцци, который показал ему свои первые коллажи на основе рекламных объявлений из американских журналов. Из этих работ и начала зарождаться иконография поп-арта. Гамильтон преподавал в разных учебных заведениях Британии, в том числе и в Королевской академии.
Особенности творчества художника Ричарда Гамильтона: поп-арт был для него не столько художественным движением, сколько стилем жизни. Это означало полное погружение в поп-культуру: телевидение, кинематограф, журналы и музыку. Все эти элементы находили отражение в работах Гамильтона. В своих коллажах он использует вырезки из американских журналов, загромождая пространство настолько, что работа превращается в пародию. В поздние годы Гамильтон экспериментирует с новыми техниками, используя при создании своих произведений компьютеры и телевидение.
Поп-арт Ричарда Гамильтона
Возможно ты никогда не слышал имя Ричарда Гамильтона, но его работы ты точно знаешь.
Сегодня, 14 сентября 2011 Ричард Гамильтон умер.
Ричард Гамильтон был лидером британского поп-арта (Энди Уорхол был признанным авторитетом в этом направлении в США).
Гамильтон родился в Лондоне в 1922 году и стал посещать вечерние курсы изобразительных искусств, когда ему было всего 12 лет. В 14 лет возрасте он ушел из школы, чтобы зарабатывать на жизнь, но продолжал заниматься живописью и позднее стал студентом в Королевской академии изобразительных искусств, а уже после войны начал занятия в школе Слейд, одном из лучших художественных учебных заведений Великобритании. Был преподавателем прикладного рисунка в течение 13 лет в двух ведущих художественных училищах и в университете Ньюкасла. С 1964 года Гамильтон выставлял свои работы в Лондоне, Милане, Касселе, Нью-Йорке и Берлине и был удостоен двух важных премий.
Среди наиболее популярных его работ – обложка «Белого альбома» «The Beatles» и портрет британского премьера Тони Блэра в образе ковбоя. Также он работал над иллюстрациями к роману Джеймса Джойса «Улисс».
В 1970 году лондонская галерея Тейт устроила первую ретроспективную выставку творчества Гамильтона. Экспонировались 170 его произведений от тонко выполненных карандашных набросков к серии предполагавшихся иллюстраций кроману Джеймса Джойса «Улисс» (1949 г.) до последнего цикла под общим названием «Клише мод» (1969 г.). Эти двенадцать этюдов, основанные на изображениях популярных манекенщиц, были выполнены средствами коллажа, эмали и косметики на литографированной бумаге. Они были сдержанной пародией на стилизованное изображение молодых женщин — привлекательных, но недосягаемых, — которые типичны для некоторых рекламных объявлений. Гамильтон здесь ступает по очень рискованному пути между сатирическим отношением к своему материалу и слишком эмоциональной его трактовкой. Серия отличается смелостью декоративного рисунка.
Выставка продемонстрировала, что по мастерству, воображению и технической сноровке он является одним из самых интересных, разносторонних и совершенных художников современности. Его главная сила, пожалуй, состоит в сочетании богатейшего воображения с неиссякаемой изобретательностью и непрерывным экспериментированием. О глубоком интересе Гамильтона к сложной технике свидетельствуют его литографии. Он использует широкий ряд профессиональных технических средств для придания точных запоминающихся эффектов окончательному изображению; на всем лежит печать полностью контролируемых приемов. Гамильтон особенно интересуется фотографией, которая посредством кино, телевидения, газет и журналов очень сильно влияет на наше восприятие окружающей среды.
Художник часто сопровождал свои произведения и экспозиции философскими комментариями. В 1983 было опубликовано «Собрание изречений» (Collected Words) Гамильтона, в которое вошли его сочинения с 1953 по 1982 годы.
Ричард Гамильтон продолжал работать до самых последних дней. На 4-й Московской биеннале современного искусства, которая открывается 23 сентября, художник собирался представить специально созданную для нее работу.
Последним проектом Гамильтона была крупная музейная ретроспектива запланированная на 2013 и 2014 годы.
Ричард Гамильтон — определил поп-арт следующими словами: «популярный, недолговечный, преходящий, дешевый, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, шуточный, шикарный и Большой Бизнес».
ПОП-АРТ — ИСКУССТВО МАССОВОЙ КУЛЬТУРЫ
Поп-арт — это искусство массовой культуры. Это движение в визуальном искусстве, характеризующееся чувством оптимизма во время послевоенного потребительского бума в 1950-60х годах. Оно совпало с глобализацией поп-музыки и молодежной культуры, олицетворенной Элвисом и Битлз. Для всего художественного истеблишмента поп-арт был дерзким, молодежным, забавным и — враждебным. Он объединял разнообразные стили живописи и скульптуры из различных стран общим интересом к СМИ, массовому производству и массовой культуре.
Впервые слово «поп» было использовано в 1954 году британским художественным критиком Лоуренсом Эллоуэем, для обозначения нового типа искусства, вдохновленного образами и изображениями массовой культуры. Эллоуэй, вместе с художниками Ричардом Гамильтоном и Эдуардо Паолоцци, был одним из основателей Независимой Группы — объединения художников, архитекторов и писателей, которые в 1952-1955 годах на своих собраниях в Институте современных искусств (ICA) в Лондоне исследовали радикальные подходы к современной визуальной культуре. Они стали предшественниками британского поп-арта. На первом собрании Паолоцци представил визуальную лекцию под названием «Bunk» (сокращенное «bunkum», т.е. абсурд, нонсенс, бессмыслица), в которой в ироническом свете представил американский образ жизни. Лекция сопровождалась иллюстрациями в виде коллажей, созданных из фотографий из американских журналов, которые он получал от членов Независимой группы в конце 1940-х, проживая в Париже. В работе «Я была игрушкой богатого человека» (‘I was a Rich Man’s Plaything’), впервые присутствует слово «поп».
Некоторые молодые художники 1950-х, выросшие в условиях лишений военного времени с его продовольственными карточками и жесткой экономией, смотрели на чарующие образы американской популярной культуры и присущий ей потребительский образ жизни с романтическим чувством иронии и легкой завистью. В их воображении Америка представала страной, свободной от классовых предрассудков и искажений, способных подавить предусмотренное развитие культуры: всеохватывающей молодой культуры, включающей в себя социальное воздействие СМИ и массового производства. Направление поп-арт стало для них способом выражения в поиске нового и языком, основанном на коллажах и композициях дадаизма. Дадаисты создавали иррациональные сочетания случайных образов, чтобы спровоцировать реакцию представителей правящих кругов. Британские приверженцы поп-арта применяли аналогичный визуальный прием, однако их внимание было сосредоточено на популярных образах массовой культуры как вызове влиятельным лицам.
Путь развития направления поп-арт в Америке несколько отличался от британского. В Америке поп-арт стал одновременно и фактором развития, и реакцией на абстрактный экспрессионизм. Абстрактный экспрессионизм был первым движением в американском искусстве, заслужившим мировое признание, но в середине 1950-х многим он стало казаться слишком интроспективным и элитарным. Формирование американского поп-арта стало своего рода попыткой обратить эту тенденцию путем возврата к представлению образа как основы построения композиции в живописи, предполагавшего возвращение искусства от малопонятных абстракций к реальной жизни. Эта модель уже испытывалась и опробовалась раньше: что-то подобное сорока годами ранее предпринимал Пикассо, создавая коллажи из напечатанных снимков «реального мира» в своих натюрмортах, в опасениях, что его картины становились слишком абстрактными. Примерно в 1955 году два выдающихся художника заложили фундамент моста, соединявшего абстрактный экспрессионизм и поп-арт. Этими художниками были Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, предшественники американского поп-арта.
Ранние произведения Джаспера Джонса ставят под сомнение то, как мы смотрим, воспринимаем и создаем искусство. В своих работах он не различает субъект и объект, — и если уж на то пошло, то жизнь и искусство тоже. В его глазах они одно и то же. Джонс считает, что мы должны смотреть на картину не как на представление и иллюзию, а как на объект со своей собственной реальностью.
Как и предшественники британского поп-арта, на Джонса повлияли дадаисты, в частности реди-мэйды («найденные объекты») Марселя Дюшана, чьи сушилки для бутылок и велосипедные колеса ранее оспорили само определение предмета искусства.
Предметами картин для Джонса стали не «найденные объекты», а «найденные изображения» — флаги, мишени, буквы и цифры — и именно эта иконография знакомых знаков стала «поп». Он видел их как «предварительно сформированные, традиционные, обезличенные, фактические наружные элементы».
ПОП-КОЛЛАЖ И МУЛЬТИМЕДИА
Роберт Раушенберг в своих работах тоже использовал «найденные изображения», но, в отличие от изображений Джонса, они были скомбинированы по взаимосвязям друг с другом и с реальными объектами. Работу обоих этих художников часто называют нео-дадаизмом, так как они опирались на «найденные элементы», впервые использованные дадаистами Марселем Дюшаном и Куртом Швиттерсом.
Вдохновленный Швиттерсом, создававшим коллажи из подобранного на улице мусора, Раушенберг сочетал реальные объекты, которые он находил около своего нью-йоркского жилья, с коллажами и живописью. Он говорил: «У меня было правило. Если я обошел квартал и не нашел достаточно вещей для работы, я могу обойти еще один в любом направлении – но на этом всё». Раушенберг считал, что «картина больше походит на реальность, если она сделана из реальности.»
Коллаж был естественным языком Раушенберга, и он расширил его словарный запас, разработав метод комбинирования масляной живописи с фотографической шелкографией. Это позволило ему экспериментировать с собранными из газет, журналов, телевидения и кино изображениями, которые он мог воспроизвести в любом размере и цвете в качестве композиционной элемента на холсте или печати. Он использовал эти элементы, чтобы отобразить наше восприятие СМИ. Каждый день из телевизоров, газет и журналов нас бомбардируют многочисленными изображениями, на большинство из которых мы не обращаем внимания, но запоминаем некоторые – те, что сознательно или подсознательно связаны с нашим индивидуальным опытом и пониманием. Картины Раушенберга захватывают этот визуальный «шум» в рамках образов, предлагающих что-то вроде иронической аллегории.
УОРХОЛ – ОТ ЗНАМЕНИТОСТЕЙ ДО БАНОК С СУПОМ
Если бы существовал художник, олицетворяющий собой поп-арт, это был бы Энди Уорхол. Первоначально он работал в качестве «коммерческого художника», получая темы из образов массовой культуры: рекламы, комиксов, газет, телевидения и кино.
Уорхол закрепил дух американской популярной культуры и повысил ее образы до статуса музейного искусства. Он использовал второсортные фотографии знаменитостей и потребительских товаров, которые, как он считал, имели подлинную банальность, делающую их гораздо интереснее. Он чувствовал, что через массовое воздействие они лишались смысла и эмоционального присутствия. Всегда подрывающий ценности художественного истеблишмента, Уорхол был очарован этой банальностью, что выразилось в серии картин, сюжетами которых было что угодно, начиная с знаменитостей и заканчивая банками супа. Не важно, был ли это «Кэмпбелл — луковый суп с говядиной» или «Авария серебряной машины», портрет «Элизабет Тейлор» или «Электрический стул», индивидуальный подход Уорхола всегда был тем же: «Понимаете, я думаю, все картины должны быть одного размера и одного цвета, чтобы они были взаимозаменяемы, и никто не думал, что у него картина лучше или хуже.» Уорхол видел эту эстетику массового производства как отражение современной американской культуры: «Что хорошего в Америке, так это традиция, что самые богатые покупают те же вещи, что и самые бедные. Ты смотришь телевизор и видишь Кока-колу, и ты знаешь, что президент пьет Кока-колу, Лиз Тейлор пьет Кока-колу, и, только подумай, – ты тоже можешь пить Кока-колу. Кока-кола есть Кока-кола, и ни за какие деньги ты не купишь Кока-колы лучше, чем та, которую пьет бродяга на углу. Все Кока-колы одинаковы, и все они хороши. Лиз Тейлор это знает, президент это знает, и ты это знаешь.»
Как кубизм стоит на плечах Сезанна, так искусство Уорхола зависимо от реди-мэйдов Дюшана. По духу будучи на самом деле дадаистом, он был так называемым «agent provocateur». Его многочисленно причудливые прокламации об искусстве были намеренно загадочными и противоречивыми, избегающими разъяснений и заставляющими его аудиторию размышлять о смысле: «Я предпочитаю оставаться загадкой. Не люблю описывать свое прошлое, и каждый раз, когда меня об этом просят, я рассказываю новую историю.» Уклонение от вопросов было для Уорхола стратегией, результатом которой стала самореклама. Он культивировал собственный имидж как неотделимую от искусства бизнес-модель: «Я начинал как коммерческий художник и хочу закончить как бизнес-художник. Успех в бизнесе – самый притягательный вид искусства.»
Рой Лихтенштейн разработал стиль поп-арта, основанный на визуальном жаргоне массовой коммуникации: комиксе. Стиль был зафиксирован в своем формате: черные контуры, смелые цвета и заменяющие оттенки точки «бендей» (метод печати, использовавшийся в комиксах в 50-60х годах). Что на самом деле изменилось во время развития искусства Лихтенштейна – это тема, эволюционировавшая от комиксов к исследованиям модернистских художественных течений: кубизма, футуризма, ар-деко, «де стейл», сюрреализма и абстрактного импрессионизма.
Клас Олденбург тяготел к скульптуре больше, чем любой из его современников. В начале 60-х он участвовал в различных «Хэппенингах»: спонтанных, импровизированных художественных событиях, где опыт участников был важнее конечного продукта – своего рода встречи потребительского искусства для потребительской культуры.
Работы Олденбурга полны иронии и юмористических противоречий: он создавал твердые предметы вроде ванны из мягкого, провисающего винила и мягкие предметы вроде чизбургера из сильно закрашенной штукатурки. Он также ниспровергал относительный размер предметов, как например ложка и вишенка, воссоздавая их в архитектурном масштабе: «Мне нравится брать предмет и полностью лишать его его изначальной функции.» Изменяя вид, масштаб и функции объекта, Олденбург опровергает его значение и заставляет зрителя переоценивать его присутствие.
• Поп-арт был дерзким, молодым и забавным направлением в искусстве 60-х годов
• Поп-арт совпал с глобализацией поп-музыки и молодежной культуры
• Поп-арт объединял различные стили живописи и скульптуры, но все представители имели общий интерес к СМИ, массовому производству и массовой культуре.
• Несмотря на то, что поп-арт зародился в Британии, это, по сути, американское движение
• На поп-арт сильно повлияли идеи дадаизма
• В Америке поп-арт был реакцией против абстрактного экспрессионизма
• Искусство Джаспера Джонса и Роберта Раушенберга рассматривается как переходный мост между абстрактным экспрессионизмом и поп-артом
• Наиболее олицетворяющим поп-арт художником считается Энди Уорхол
• Картины Уорхола с изображениями Мэрилин Монро являются самыми известными символами поп-арта
• Рой Лихтенштейн разработал мгновенно узнаваемый стиль поп-арта, вдохновленный американскими комиксами
• Величайшим скульптором направления был Клас Ольденбург, создавший много крупномасштабных работ паблик-арта
Ричард Гамильтон
Richard Hamilton
Ричард Гамильтон
Richard Hamilton
Заказать
репродукцию
Ри́чард Уи́льям Га́мильтон (англ. Richard William Hamilton; 24 февраля 1922, Лондон — 13 сентября 2011, Лондон) — английский художник, чей коллаж «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» считается первой работой в стиле поп-арт.
Родился 24 февраля 1922 года в Лондоне. Обучался в художественной школе Св. Мартина. С 1938 по 1946 год учился в школе Королевской академии. С 1948 по 1950 год учился в художественной школе Слейда.
Ранние работы Гамильтона были созданы под значительным влиянием работы Д’Арси Вентворта Томпсона «О росте и форме» 1913 года. В 1952 году на первом собрании Независимой Группы, состоявшемся в ICA (Институт современного искусства), Гамильтон был представлен на семинарной презентации Эдуардо Паолоцци коллажей ранних 1940-х, поздних 1950-х годов, которые сейчас считаются первыми стандартами поп-арта. Кроме того, в 1952 году, он был представлен в записках «Зеленый ящик» Марселя Дюшана через Роланда Пенроуза, с которым Гамильтон встретился в ICA. В ICA Гамильтон был ответственным за проектирование и монтаж целого ряда выставок, в том числе «Чудо и Ужас человеческой головы» Джеймса Джойса, которую курировал Пенроуз. Также через Пенроуза Гамильтон познакомился с Виктором Пасмором, который дал ему должность преподавателя в городе Ньюкасл-апон-Тайн, где Гамильтон работал до 1966 года. Среди студентов Гамильтона были Рита Донаг, Марк Ланкастер, Тим Хэд, Брайан Ферри, основатель Roxy Music, и визуальный художник Николас Де Вилль. Влияние Гамильтона могут быть найдены в подходе и визуальном стиле Roxy Music.
В 1959 году Гамильтон выступил с докладом «Восхитительная Система Цветного Кино, Захватывающий Синемаскоп и Стереофонический Звук», названным фразой из мюзикла 1957 года «Шелковые Чулки» Коула Портера. В этой лекции, сопровождаемой поп-музыкой и демонстрацией ранних камер Polaroid, Гамильтон разбирал технологии кино, объясняя, как они помогают создавать очарование Голливуда. Позднее, в ранних 1960-х, он развил эту тему, создав серию картин, вдохновленных кадрами из фильмов и рекламными снимками.
Должность в ICA также предоставляла Гамильтону возможность продолжить дальнейшее исследование работ Дюшана, результатом которого стала публикация в 1960 году типографской версии сборника записей «Зеленый ящик», в который вошли оригинальные заметки Дюшана для проектирования и строительства его знаменитой работы «Голая Невеста и её Холостяки», также известной как «Большой Стакан». На выставке 1955 года в Ганноверской Галерее, все работы Гамильтона были так или иначе данью уважения Дюшану. В том же году Гамильтон организовал выставку Man Machine Motion в галерее Хаттон в Ньюкастле. Разработанная так, чтобы больше походить на рекламную демонстрацию, чем на обычную художественную выставку, шоу служило прообразом вклада Гамильтона в выставку «Это — Завтрашний День» в галерее Whitechapel в следующем году. «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» была создана в 1956 году для каталога «Это — Завтрашний День», в котором она была воспроизведена в черно-белом цвете, а также использовалась для плакатов к выставке. Коллаж изображает мускулистого мужчину, провокационно держащего Тутси Поп, и женщину с большой, обнаженной грудью в шляпе-абажуре, окруженных символами изобилия 1950-х годов от пылесоса до большой банки консервированный ветчины. «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» получила широкое признание в качестве одной из первых работ в стиле поп-арт, и письменное определение Гамильтона того, что такое «поп», заложило основание для всего движения. Определение Гамильтоном поп-арта из письма Алисону и Питеру Смитсонам от 16 января 1957 года: «Поп-арт это: популярное, преходящее, расходное, недорогое, серийное, молодое, остроумное, сексуальное, бесполезное, гламурное, и Большой Бизнес».
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →