чем рисовали в японии

Японская живопись Суми-э — древнейший вид искусства

Японская живопись является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание.

Японская живопись Суми-э является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание. Элегантное искусство являет миру картины, представляющие собой ширмы, росписи на стенах, свитки из шелка или бумаги, веера, станковые картины и гравюры.

Японскую живопись отличает большое количество разнообразных жанров и стилей. Ведущее место в японской живописи, как и в литературе, занимает природа. Она преподносится в качестве хранителя божественного начала. Японская живопись берет свое начало в китайском искусстве, поэтому ее жанры очень схожи с жанрами Поднебесной. В наше время многие японские художники предпочитают проходить обучение именно в Китае.

Живопись в Японии имеет в своей истории развития несколько этапов. Каждый из них отличается своеобразными характеристиками и особенными чертами.

Начальным этапом развития считается временной промежуток с середины седьмого века по конец восьмого века, называемый Нара. В этот период был расписан храм Хорюдзи, он является отличным доказательством влияния на японскую культуру индийской и китайской традиции.

Следующий период развития японской живописи называется Хэйан. Он прославлен активным процветанием храмовой живописи и примерами светского искусства изображения. В этот период создаются иллюстрации к романам и повестям, призванным развлекать знатных господ.

Период Камакура (занимает временной промежуток с конца XIIвека по первую половину XIV века), занимавший временной отрезок с конца двенадцатого века и по первую половину четырнадцатого века, характеризуется изменением стилей, поисками новых способов изображения жизни. Настроение японской живописи круто меняется. Раньше картины передавали оптимистичную, легкую и радостную атмосферу. В этот период сделан большой шаг в сторону реалистичного изображения, а также придания картине практически военного характера. Характерные сюжеты живописи — батальные сцены из мифов и истории, религиозные сцены из буддийской традиции. Широко распространено изображение портретов важных государственных деятелей.

В период Муромати (временной отрезок с первой половины XIV века по вторую половину XVI века) на первый план выходит тенденция, прославившая японскую живопись на весь мир. Философия дзэн-буддизма оказала значительное влияние на живопись, в результате чего популярность приобрело пейзажное искусство. Особенную элегантность получила монохромная техника. В этот период на японскую живопись оказал влияние Китай. Самый известный художник Японии того времени Тоё Ода, специализировавшийся на написании пейзажей, создал первые картины, когда путешествовал по Поднебесной. Развил направление он уже на родине.

Вышеописанная тенденция активно развивалась и дополнялась во время двух следующих периодов развития японской живописи — Монояма и Эдо. Монохромная техника представляла собой более утонченный вариант. Тщательно прорабатывали и вырисовывали детали. Художники не побоялись экспериментов и стали применять приемы, ранее использовавшиеся в живописи на свитках и ширмах, в настенной росписи. Пейзажи и массовые сцены стали дополняться психологическими историями, демонстрирующими героя в момент сильного эмоционального напряжения. Помимо традиционной живописи в Японии активное распространение получила гравюра на дереве. Она разделялась на два вида: театральная гравюра и бытописательная гравюра. Самым известным мастером театральной гравюры является Тёсюсай Сяраку. Бытописательная гравюра активно развивалась в творчестве Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро.

Источник

Путеводитель по японскому искусству

Гравюра, каллиграфия и живопись: Arzamas составил инструкцию, как смотреть японское искусство

Живопись

Японская живопись опиралась на принципы, разработанные в Древнем Китае: система жанров, мировоззренческие основы живописи, символизм и многие другие чисто художественные средства были заимствованы с континента одновременно с буддизмом. Система жанров разительно отличалась от евро­пей­ской. Даже самый, казалось бы, понятный — пейзаж — в традиции Дальнего Востока имеет свои особенности.

Что такое японский пейзаж

Как читать свитки

Формат горизонтального или вертикального свитка связан с формой рулона шелка — одного из самых ранних носителей письменности на Дальнем Востоке. Живопись на свитках шелка или бумаги не имеет рамы; четкой границы между изображением и окружающим пространством нет. Именно поэтому у первых западных коллекционеров и возникла ассоциация с обоями. Европейскому взгляду оказалось сложно приспособиться и к технике живописи, и к организа­ции пространства в изображении. В классической японской живописи прост­ранство выстраивается с помощью особой системы приемов. Четко обозначен­ные деталями (постройками на берегу, лодками на воде и т. д.) или тональ­ны­ми акцентами планы композиции на вертикальных свитках легко расслаива­ются, часто отделенные друг от друга туманными полосами пустоты. Эти паузы в изображении и диагональные композиции помогают неторопливо переходить от рассматривания первого плана к дальним, создавая эффект глубины пейзажа.

Сюгэцу. Пейзаж в китайском стиле. Не позднее 1529 года Honolulu Museum of Art

В горизонтальных свитках, рассчитанных на медленное рассматривание по ходу чтения справа налево, этот «временной» аспект живописи еще более очевиден. В пейзаже мастера Сюгэцу зритель «входит» в изображение из пустого пространства воды и неба в правой части свитка, беседует с поэтами и мудрецами на скалистом берегу, любуется старой сосной и «поднимается» в беседку, откуда перед ним открывается вид на темный абрис пологих гор на втором плане, а потом, глубже и выше, — на дальние вершины третьего плана, подернутые дымкой.

Почему дома изображены без крыш

Отсутствие в классическом репертуаре дальневосточной живописи сцен в замкнутых помещениях и городских пейзажей делало неактуальной линейную перспективу. А там, где следовало придерживаться строгих геометрических форм, на помощь как художнику, так и зрителю вновь приходило воображение.

В японской живописи ямато-э с эпохи Хэйан для изображения сцен в дворцовых покоях использовался прием «интерьера со снятой крышей», когда художник и зритель смотрели на происходящее в дворцовых залах сверху, словно заглядывая в кукольный домик и видя фрагмент помещения со скошен­ными балками, занавесями и сидящими в них героями.

Иллюстрация к одной из глав «Повести о Гэндзи» Мурасаки Сикибу. Около 1130 года 徳川美術館 (Художественный музей Токугава)

Этот прием, появившийся еще в ХII веке в иллюстрированных свитках (так называемых эмакимоно), позднее широко применялся в росписи ширм или по­движных перегородок фусума в дворцовых и замковых интерьерах. Японские мастера вообще любили взгляд с высоты птичьего полета, открывавший перед зрителями широкую картину празднеств, военных действий или городских видов. Чтобы подчеркнуть эту высокую точку зрения, удаленность объектов и их отделенность друг от друга, использовался прием ункин. Купы деревьев, показанных как бы сверху, или декоративные позолоченные стилизованные облака позволяли разделить плоскость изображения на регистры и планы. Сам термин ункин состоит из иероглифов «облако» и «парча»: это отсылка к пыш­ным облакам цветущей сакуры и парче осенних краснеющих кленов, сквозь которые показаны пейзажи.

Монах Юкинаги. Императорское шествие в Охару (иллюстрация к «Повести о доме Тайра»). Период Эдо, начало XVII века The Metropolitan Museum of Art

Отделенные друг от друга фрагменты императорской процессии кажутся раз­не­сенными в пространстве, и каждое из них обладает собственной перспек­ти­вой. Художник следует принципу «подвижного ракурса», когда в одном произ­ведении действует множество точек зрения и точек схождения перспек­тивы.

Саэн Хосай (Сиюа Фанци). Майна на ветке сливы. Период Эдо, XVIII век The Metropolitan Museum of Art

Что же касается моделирования объема предметов, то переходы от насыщен­ного цвета туши к акварельной прозрачности были призваны не столько передать реальные светотеневые соотношения, сколько выявить «костяк» формы, который может внушить ощущение объема. А живописный фон часто вовсе исчезает из изобразительного текста, заставляя поверхность бумаги или шелка работать как бесконечное пространство.

Каллиграфия

Вторая причина — сложная природа иероглифа. Иероглиф обладает формой, цветом, композиционной связью с форматом произведения и другими эле­мен­тами изображения. Как письменный знак, восходящий к пикто­грамме — схема­тизированному, упрощен­ному изображению реального объекта, — он сохра­няет далекую связь с формой предмета или природ­ного явления (и наибо­лее близкими к пикто­грамме остаются иероглифы, обозначающие устойчивые при­родные формы: гору, воду, огонь, человека и другие). Как знак письмен­нос­ти он обладает фонетическим звучанием и значением, которое связано с целым рядом литературных, религиозных или философских ассоциаций.

Системы почерков: кайсё, гёсё и сосё

Каллиграф Дальнего Востока создает каллиграфическое произведение, не просто чтобы зафиксировать смысл, но чтобы выразить и воплотить идею отдельного слова, целого стихотворного или прозаического произведения. При этом, как правило, он связан устоявшимися формами письменных знаков: основой каллиграфии является система почерков, каждый из которых обладает смысловыми нюансами и соответствует замыслу автора.

Нейтральный и легко читаемый уставной стиль кайсё ближе всего к печатным знакам; «полукурсив» («бегущий стиль») гёсё — свободнее и выразительнее, динамичнее и гибче: движения кисти тут более плавные и слитные. Но наи­боль­­шим выразительным потенциалом обладает сосё, или «травяное пись­мо», в котором отдельные знаки сливаются в плавно изгибающиеся строки, похожие на спутавшиеся или стелющиеся травы. Каллиграф сокращает письменные знаки, опуская или объединяя мелкие элементы.

Хонъами Коэцу. Каллиграфия стихотворения из сборника «Син кокин вака-сю», украшенная изображениями оленей, в стиле сосё. Не позднее 1637 года MOA美術館 (Художественный музей в Атами)

Иероглифическая письменность пришла в Японию из Китая. Чтобы приспо­собить ее к японскому языку, к концу первого тысячелетия были созданы две слоговые азбуки — хирагана и катакана, которые дополняли иероглифические тексты. Знаки письменности хирагана, часто встречающиеся в каллиграфии наравне с иероглифами, составляли особый связный стелющийся текст, кото­рый у великого мастера ХVII века Хонъами Коэцу превращает строки стихов в продолжение свисающих побегов плюща или травы и кустарник, в которых пасутся олени.

Источник

Японская живопись

Японская живопись одно из древнейших и изысканных японских изобразительных искусств.

Она берет свое начало в китайском искусстве, поэтому их жанры очень схожи. И даже в наши дни многие японские художники предпочитают обучаться именно в Поднебесной.

Японская живопись охватывает широкий спектр жанров и стилей. Для нее, как и для литературы характерно изображение природы, сцен из повседневной и религиозной жизни, живопись животных и растений, особенно птиц и цветов. Во всех этих жанрах сложились характерные японские традиции.

В своей истории развития живопись в Японии имеет несколько этапов, каждый из которых отличается характерными чертами.

Древняя Япония и периоды Кофуни и Асука (IV век —710)

Наряду с введением китайской письменности (Канджи), китайской режимов государственного управления, и буддизма, многие произведения искусства были привезены в Японию из Китая.После этого в Японии начали появляться произведения живописи в китайском стиле.

Период Нара (710–794).

Период назван по местонахождению первой постоянной столицы Японии в Нара. С дальнейшим процветанием буддизма в Японии развивалась и религиозная живопись. Самые ранние сохранившиеся картины этого периода включают фрески на стенах внутри храма Хорю-дзи.

Эти сцены включат в себя эпизоды из жизни Будды. Стиль изображения напоминает китайскую живопись.

Тем не менее период Нара известен больше бурным развитием скульптуры, чем живописи.

Период Хэйан (794–1185).

Начиная с X века в японской живописи выделяют направление ямато-э (大 和 絵, «живопись в японском стиле»). Это считается классический японский стиль, картины представляют собой горизонтальные свитки, которыми иллюстрировали литературные произведения.

Характерные черты ямато-э включают в себя множество маленьких фигур и подробное описание деталей зданий и других объектов.

Период середины Хэйан считается золотым веком Ямато-э, который первоначально использовался в основном для раздвижных дверей (фусума) и складных экранов (бōбу).

Появляются новые форматы живописи, в том числе Эмакимоно. Эмакимоно (絵 巻 物, буквально «свиток с картинками»), часто называемый просто эмаки(絵 巻), представляет собой горизонтальную, иллюстрированную повествовательную форму. Emakimono сочетает в себе как текст, так и рисунки, на которых изображали битвы, романтику, религию, народные сказки и истории о сверхъестественном мире.

Период Камакура (1185–1333)

В этот период продолжают развиваться эмаки различных видов, однако период Камакура был гораздо сильнее охарактеризован искусством скульптуры, чем живописи.

Период Муромати (1333–1568)

В течение 14-го века развитие великих дзенских монастырей в Камакуре и Киото оказало большое влияние на изобразительное искусство. Суми-э (墨 絵) или Суйбокуга (水墨画), строгий монохромный стиль чернильной живописи, зародившийся в Китае, в значительной степени заменил полихромные картины свитков предыдущего периода, хотя сохранилась некоторая полихромная портретная живопись.Типичным примером такой живописи является изображение монаха-художника Као, который был известен своим изображением легендарного монаха Кенсу, в тот момент, когда он достиг просветления.Этот стиль живописи был выполнен с быстрыми мазками кисти и минимумом деталей.

Картиной «Поймать сома с тыквой», художник-монах Хосетсу, знаменует поворотный момент в живописи Муромати.На переднем плане изображен мужчина на берегу ручья, он держит маленькую тыкву и смотрит на большого скользкого сома.Центр картины заполняет туман, а фон, горы, кажутся, далеко на расстоянии.Обычно считается, что «новый стиль» картины, выполненной около 1413 года, относится к китайскому ощущению глубины пространства в плоскости картины.

К концу 14-го века монохромная пейзажная живопись стала предпочтительным жанром среди художников дзен, постепенно переходя от китайских корней к более японскому стилю. Дальнейшим развитием пейзажной живописи стал свиток с изображением поэмы, известный как шигаджику.

В конце периода Муромати живопись тушью вышла за стены монастырей Дзэн в мир искусства.

Адзути-Момояма (1568–1600)

Следующий этап Японской живописи Адзути-Момояма, резко контрастировал с предыдущим Муромати. Этому этапу характерен полихромный стиль с широким использованием золотой и серебряной фольги и работами в очень большом масштабе. В то время школа Кано пользовалась большим престижем и известностью.

Её основатель Эйтоку Кано разработал технику для создания монументальных пейзажей на раздвижных дверях, ограждающих помещение.Такие огромные экраны и настенные росписи заказывались для украшения замков и дворцов военной знати.

Период Эдо (1600–1868)

Эдо раннее название города Токио, в этом городе основался сёгунат Токугавы. В течении раннего периода Эдо начали возникать новые тенденции в искусстве. Одной из самых значимых школ была школа Ринпа, которая использовала классические сюжеты, но представляла их в новом, смелом, декоративном формате.

Другим важным жанром, который начался в период Адзути-Момояма, но который достиг своего полного развития в ранний период Эдо, было искусство намбан («южных варваров»). Японцы обычно называли словом намбан всех иноземцев, которых они считали варварами.

Жанр намбан охватывает как произведения, изображавшие «экзотических» иностранцев, так и произведения, созданные ими самими и привезенные в Японию.

Третьей важной тенденцией периода Эдо был подъем жанра Бунджинга (литературная живопись), также известного как школа Нанга(школа южной живописи).Этот жанр расцвел в поздний период Эдосреди художников, считавших себя литераторами и интеллектуалами.Хотя каждый из этих художников был по-своему уникален и независим, все они восхищались традиционной китайской культурой.Их картины, как правило, выполнены однотонными черными чернилами, иногда со светлыми тонами, почти всегда изображающие китайские пейзажи, были созданы по образцу китайской литературной живописи.

Позднее, мастера, работающие в стиле бунджинга, видоизменили технику и сюжеты этого жанра, создав смесь японского и китайского стилей.

Период Мэйдзи (1868–1912)

Это не могло не сказаться на искусстве, ведь Япония переняла многие достижения и опыт Запада. Искусство разделилось на традиционные местные и европейские стили.

Правительство официально продвигало западный стиль Yōga (Ёга, 洋画, буквально «стиль западной живописи»). Этот термин был придуман в период Мэйдзи, чтобы отличать такие работы от традиционных японских картин.

Множество молодых перспективных художников были отправлены за рубеж на учебу. Были приглашены иностранные мастера, для создания учебных художественных программ в японских школах.

Однако после первоначального всплеска энтузиазма в отношении западного искусства, маятник качнулся в обратную сторону. Началось возрождение интереса к традиционному японскому стилю нихонга (日本画, «картины в японском стиле»). Вдохновителями этого движения стали искусствовед Окакура Какузои педагог Эрнест Феноллса. А в 1880-х годах искусство западного стиля было даже запрещено на официальных выставках и подвергалось жесткой критике.

Однако художники, работающие в стиле Ёга, образовали (Общество Изобразительных Искусств Мэйдзи), чтобы проводить свои собственные выставки и способствовать возобновлению интереса к западному искусству.

В 1907 году была основана Японская Академия искусств это способствовало взаимному признанию конкурирующих групп и даже начался процесс взаимного синтеза.

Период Тайсё (1912–1926)

Живопись получила новый толчок развития, испытав сильное влияния Западной культуры. Происходит смешение японских и западных стилей, при чем не только в живописи, но и во всех видах творчества.

На полотнах молодых художников все больше появляются картины, написанные в стиле импрессионизма, постимпрессионизма, кубизма и т.д.

Период Сёва (1926–1989)

В японской живописи в довоенный период Сёва в основном доминировали Сōтаро Ясуи и Рюзабуро Умехара, которые представили понятие чистого искусства и абстрактной живописи в традиции Нихонгаи таким образом создали более интерпретирующую версию этого жанра.Леонард Фужита и Общество Ника разработали эту тенденцию, чтобы охватить сюрреализм.Для продвижения этих тенденций в 1931 году была создана Независимая художественная ассоциация (Dokuritsu Bijutsu Kyokai).

Во время Второй мировой войны многие художники были приняты государственную работу, связанную с пропагандой патриотической тематики.

В послевоенный период в 1947 году была создана финансируемая правительством Японская художественная академия(Nihon Geijutsuin), в которую вошли подразделения нихонга и ёга. Государственное спонсорство художественных выставок прекратилось, но его заменили частные выставки

Послевоенное искусство ждал небывалый подъем. Художники, каллиграфы, печатники процветали особенно в больших городах.

Одними из самых известных художников были Окумура Тогю, прославившийся изображением горы Фудзи, а также Хигасияма Кайи, ставший известным благодаря тому, что создал и отреставрировал росписи на стенах многих японских дворцов и храмов.

Наиболее известным художником, работающем в западном стиле, является Хаяси Такэси. В его работах можно увидеть большое влияние таких прославленных мастеров как Сезанна, Пикассо, Модильяни.

В Японии также есть ряд современных художников, чьи работы в значительной степени вдохновлены субкультурой аниме и другими аспектами популярной и молодежной культуры.Такаши Мураками, пожалуй, один из самых известных и популярных из них. Мураками является основателем и президентом компании«Kaikai Kiki Co», где трудится более двухсот сотрудников. На сегодняшний день офисы компании находятся в Токио, в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе. Компания Мураками — это высокоэффективный механизм, штампующий искусство, исполняющий заказы престижных домов и продюсирующий дюжину начинающих японских художников.

Источник

jean_pol

jean_pol

В Японии существует огромное количество видов живописи. Разобраться во всем этом многообразии поможет вот этот глоссарий.

Абуна-э (Abuna-e, あぶな絵) – эротическая живопись и гравюра, здесь изображали частично обнаженных женщин, участвующих в повседневной деятельности, например – купание, мытье волосы, наслаждение вечерней прохладой, или накладка макияжа. Часто внезапный порыва ветра, маленький ребенок, или даже животные, такие, как обезьяна или кошка, игриво тянули у женщины одежду, обнажая ее ноги, бедра или грудь. Считается, что Abuna-е было создано в 1772 году, после того как правительство запретило сексуальные картинки, а пик их популярности пришелся на середину 18 века. Вероятно, Abuna-е скорее аналог современной эротики по сравнению с откровенно сексуальной сюнга.

Айдзури-э – печать анилиновым красителем синего цвета. Также известна как техника “аи-э” или синяя печать. Гравюры печатались с нескольких досок различными оттенками основного цвета. Появление и широкое распространение этого типа гравюры укиё-э в конце периода Токугава связано с изданием указа об ограничении роскоши.

Атэнаси-бокаси – техника, при которой чернила смешивали с жидкостью, благодаря чему они свободно растекались по всей поверхности картины. Часто применялась для изображения облаков и водной глади, как, например, в серии гравюр Хиросигэ “Сто знаменитых видов Эдо”.

Барэн – плоский круглый диск около 10-12 см в диаметре, оплетенный бамбуковыми волокнами, при помощи которого печатник, последовательно накладывая на каждый из выгравированных блоков чистый лист рисовой бумаги, печатал гравюру вручную.

Бидзин-га (Bijinga, 美人画) — общее название для произведений живописи и графики, изображающих женскую красоту в традиционном искусстве Японии, например — в печати с деревянных досок художественного направления укиё-э, являвшегося своего рода предшественником фотографии. Обозначение бидзинга может использоваться и для современных средств искусства, представляющих классический образ прекрасной японской женщины, как правило одетой в кимоно. Практически все мастера укиё-э создавали картины в жанре бидзинга, бывшие одной из центральных тем этого направления японского искусства. В узком смысле это жанр гравюры укиё-э.

Бундзинга – живопись образованных людей, школа японской живописи тушью, направление в японской живописи, сформировавшееся в XVIII веке под влиянием китайской Южной школы «Вэньжэньхуа» (картины культурных людей). Японские художники бундзинга в основном уделяли внимание традиционным жанрам китайской живописи – пейзаж, «цветы-птицы» и «четыре благородных мужа» ( слива, орхидея, хризантема и бамбук). Смотри также Ханга (Hanga).

Бокасидзури – плавная, мягкая градация цветовых оттенков и полутонов, достигаемая в процессе печати гравюры.

Бэни-э — розовая гравюра. Тип гравюры укиё-э, раскрашенной от руки кистью, для которой вместо охристой минеральной краски тан применялась розовая растительная краска бэни с добавлением к ней желтого, оливкового и коричневого цветов.

Бэнигирай-э — синяя гравюра. Вид полихромной печати без использования красного цвета. Основные краски, применяющиеся в этой гравюре, – синяя, серая и фиолетовая. Её появление связано с выходом одного из указов Правительства в период эры Ансэй.

Бэнидзури-э – первые цветные гравюры, напечатанные в два цвета – розовым (бэни) и зеленым (аой). Техника многоцветной печати была изобретена китайцем по имени Сисэн и в Японии стала использоваться со времен эры Энкё (1744-1748).

Бэроай – синий пигмент, полученный из растения индиго, ввезенного в Японию с Запада в конце периода Эдо. Его называют “Берлинская лазурь”. Бэроай был особенно популярен в годы эры Бунсэй (1818-1830) и эры Тэмпо (1830-1844). Яркий пример использования этой краски – серия гравюр Хокусая “36 видов Фудзи”.

Дзицубуси – заполненная цветом гравюра. Техника, при которой оставшиеся белыми участки изображения заполняются цветными чернилами. Обычно применяются желтый, индиго и темно-красный оттенки. Как пример использования желтого цвета – гравюра Утамаро “Шитьё”.
Ёко-нага-эбан – картина особо широкого горизонтального формата.
Ёко-обан – разновидность пейзажного формата обан.
Ёко-тандзаку-бан – разновидность пейзажного формата тандзаку-бан.
Ёко-хадзама-бан – хадзама-бан, но горизонтальный.

Итимондзи-бокаси – техника печати, при которой верхняя половина изображения заштриховывается тонкими отчетливыми линиями-полосами. Облака на большинстве гравюр Хиросигэ исполнены именно в этой технике. Итимондзи-бокаси применяется, главным образом, на первом этапе печати ксилографии.

Какэмоно – вертикальные свитки.

Какэмоно-эбан – название, данное гравюрам портретного формата.

Кара-э (Kara-e ) – китайский живописный стиль. Примерно до десятого века в японской живописи доминировало китайское направление кара-э, c распространением буддизма вместе с ним получил распространение и этот стиль. Китайский стиль, преобладавшей в 9 веке, был вытеснен стилем ямато-э, который первоначально указывал на японский характер тематики росписей в отличие от стиля кара-э.

Кано (狩野派, Kano) – одна из самых известных художественных школ в японской живописи. Школа была основана художником Кано Масанобу (1434-1530), современником Сэссю и учеником мастера Сюбуна. Школа Кано формировалась из художников, принадлежавших к роду Кано. В Период Адзути-Момояма эта школа достигает своего расцвета. Художники школы кано часто работали с большими формами, они создавали картины природы, сцены птиц, растений, воды и животных на раздвижные двери или экраны на фоне сусального золота. Наиболее замечательные из этих работ хранятся в замке Нидзё в Киото. Мастера Кано известны также своими замечательными монохромными росписями чернилами по шёлку. Для их работ характерны комбинации из реальных предметов и животных, выступающих на первом плане картины, и из абстрактных, совершенно отвлечённых элементов заднего плана, например, облаков. Наибольшего развития в школе Кано достигает совершенствование изображённых в китайском стиле неба, облаков, моря и тумана.

Кимэдаси или кимэкоми – техника печати многокрасочной ксилографии, при которой готовую гравюру плотно прижимали лицевой стороной вниз к первой контурной печатной доске и усиленно проглаживали. В результате проявлялись бесцветные рельефные линии контуров, а отпечатанные цветовые участки становились выпуклыми, и таким образом достигался эффект рельефной картины. Этот способ часто использовали для изображения мускулов на руках борцов или округлого женского тела. Харунобу и Бунтё были большими приверженцами техники кимэдаси.

Кира-э или киракакэ – слюдяная печать. Техника печати укиё-э с использованием в качестве пигмента слюдяного порошка, придающего изображению мерцающий серебряный фон. Для этого приготавливали две доски, одну из которых покрывали основным цветом, в то время как другую – клеем или пастой. Затем, слюдяной порошок посыпали на влажную бумагу, а остатки стряхивали. Техника кира-э была популярна у Утамаро и Сяраку.

Мэйсё-э – изображение знаменитых или прославленных красотой мест. Традиционный жанр японского искусства.

Моцукоцухо — печать без контура. Техника монохромной и полихромной печати гравюры, при которой вокруг цветовых участков не наносятся контурные линии.
Муся-э – станковые гравюры с изображениями воинов или буси.

Нагасаки-э (Нагасаки-е) – старинные японские цветные деревяные гравюры по дереву, которые изображают иностранцев, в основном голландцев, их корабли или их экзотические животные и подарки. Нагасаки-э еще более редки, чем Йокогама-э.

Нисики-э – многокрасочная ксилография. Парчовые, то есть многоцветные картины, которые печатались с нескольких досок на самой лучшей по качеству, хорошо впитывающей краску бумаге хосо, украшались тиснением, золотым, серебряным и перламутровым порошком. Глубокие и мягкие водяные краски, покрывая всю поверхность листа, создавали эффект, подобный парче, что и дало им название “парчовые картины” или нисики-э. Они – дальнейшее развитие бэнидзури-э. Введение новой техники печати объясняется распространением во 2-й год Мэйва (1765) поздравительных гравюр “суримоно” и календарей, которые издавались малыми тиражами, и приобрести которые могли далеко не все, а лишь узкий круг ценителей искусства. Появление и дальнейшее развитие нисики-э связывают с именем величайшего мастера укиё-э Харунобу.

Нуномэ-дзури — тканевая печать. Техника, при которой доску обтягивали тонким как бумага шелком или газовой материей, а затем притирали по поверхности при помощи жесткого диска барэна. В результате структура ткани отпечатывалась на доске. Этот метод был очень популярен среди резчиков гравюры в конце периода Токугава (1603-1867).

Обан — большой формат. Приблизительный размер 39,5 х 26,8 см. Ообан Особо большой формат.Окуби-э — тип больших погрудных портретов. Так называемые “большие головы”. Яркий пример окуби-э – бидзин-га Утамаро (первый ввел этот тип гравюры в укиё-э) и якуся-э Сяраку.
О-тандзаку-бан – гравюра с поэтическими строками в формате обан.

Сансуйга (Sansuiga) – пейзажной живописи, “картины гор и вод”, один из трех главнейших жанров живописи, наряду с дзимбуцуга (портретная и жанровая живопись) и катега (картины цветов и птиц). Пейзажи сансуйга, несущие философский смысл, японские художники стали рисовать, только начиная с 15 века. Вместе с дзэн-буддизмом в Японию попала китайская культура династий Сун и Юань, в том числе и так ценимая дзэнскими монахами китайская монохромная живопись тушью. Первые художники-пейзажисты использовали мотивы, заимствованные у китайских художников-монахов и художников придворной академии живописи, изображая идеализированные лирические пейзажи.

Син Ханга (Shin Hanga ) буквально переводится как новая графика. Это направление в японском искусстве характеризуется обновлением традиционной японской гравюры. Временные рамки шин ханга можно обозначить с 1915 по 1962. Развитие син ханга привело к реннесансу традиционного искусства укиё-э (Ukiyo-e). Направление Син Ханга соединило элементы позаимствованные с Запада и технические приемы японской гравюры. Вместо бездумного копирования западного исскуства художники шин ханга фокусировались на традиционном изображении пейзажей,красивых женщин и портретов актеров. Вдохновленные французкими импрессионистами, художники шин ханга также приняли эффекты света и тени а также выраженний личных эмоций. В результате получился синтез великопной графики и обновленного стиля.
Сёдзури – первый этап изготовления ксилографии, во время которого гравером вырезалась первая печатная форма, так называемая ключевая доска. С нее потом делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал иероглифами задуманные цвета. На первом этапе больше внимания уделялось раскраске изображения, нежели каким-то признакам и предметам одежды, поэтому эти отпечатки сёдзури считаются наиболее ценными. Все последующие этапы называются “атодзури”.
Сёмэн-дзури – глянцевая печать. Также известна как “цуя-дзури”. Все нисики-э притираются с задней стороны изображения, но в данном случае притирание производится с лицевой стороны гравюры. Таким образом, использующаяся для этого доска становится как бы зеркальным отображением печатного блока, который притирают при обычном печатании. После того, как процесс цветной печати полностью завершен, поверхность гравюры отшлифовывается до блеска при помощи бамбукового диска барэна или чашечки для сакэ.
Сикиси-бан — традиционный формат плотного картона. Почти квадратный формат. Различают два стандартизированных размера: большой и маленький. Большой – приблизительно 19,4х17 см. Первоначально сикиси использовались для написания поэтических строф.
Сумидзури-хиссай – черно-белые гравюры сумидзури, впоследствии тонированные от руки.
Сумидзури-э – ранние черно-белые ксилографии, напечатанные с одной доски черной краской суми, получаемой из сажи и клея.
Суримоно – поздравительные благопожелательные гравюры. Обычно небольшие, квадратного формата, они печатались на дорогой и высококачественной бумаге. Издавались маленькими тиражами для частных заказчиков и были предметами коллекционирования.

Суми-э (Sumi-e) – японская монохромная живопись тушью, это направление возникло в XIV веке и было заимствовано из Китая. Слово суми-э представляет собой соединение двух японских слов, которые в переводе означают “тушь” (суми) и “живопись” (э). То есть суми-э – это тип монохромной живописи, похожей на акварель. Культивируемая в крупных дзэнских монастырях Камакура и Киото, суми-э очень ценилась дзэнскими художниками и их покровителями. Дзэнские монахи-художники рисовали портреты тиндзо, но к концу XIV века монохромная пейзажная живопись стала основным и наиболее почитаемым в дзэнских монастырях жанром изобразительного искусства. В наши дни на Западе принято называть суми-э любое изображение, написанное тушью с использованием технических приемов работы кистью, традиционно принятых в Азии.

Суйбокуга (Suibokuga) – живопись тушью, китайский стиль, заимствованный японскими художниками в XIV в. Это искусство импровизации, другое название – суми-э. Искусство возникло в Китае около 6000 лет назад, каллиграфия дала развитие живописи. Живопись тушью является художественной формой, которой свойственна высочайшая степень свободы.

Сюнга (Shunga) – весенние картины, одно из направлений японской ксилографии, изображающее эротические сцены. Гравюры на эту тему приобрели большую популярность в конце XVIII – начале XIX века. Как правило, подобные гравюры издавались анонимно, художники не рисковали их подписывать. В Японии сюнга официально запрещена уже около полутора столетий.
Тандзаку-бан – печатный формат. Вертикальные листы наподобие узких полос бумаги, на которых писали стихи. Размер такого формата – приблизительно 44х7,6 см.
Тан-э – гравюры, раскрашенные от руки охристой минеральной краской “тан”. Так как охра (тан) была самым распространенным и наиболее часто используемым пигментом, она и дала название этому типу гравюры. Иногда к охре добавляли оливковый и приглушенный желтый тона.
Тюбан – средний формат гравюры. Размер 29,3 х 19 см.
Тю-тандзаку-бан – ксилография среднего формата с рядами поэтических строк.

Укиё-э (Ukiyo-e) – картины “бренного мира”. Особое направление в японской живописи, представленное цветной гравюрой на дереве. Формируется в 17 веке, в эпоху Токугава. Первоначально слово укиё обозначало одно из буддийских понятий и переводилось как “бренный и быстротекущий мир”. В 17 веке оно уже стало обозначать современный суетный мир, мир любви и наслаждений. Слово “э” означает “картина, изображение”. Поэтому название искусства “укиё-э” говорит о том, что оно отображает повседневную, современную жизнь периода Токугава. В процессе создания ксилографии принимали участие художник, резчик и печатник. Для многоцветных гравюр порой изготавливали свыше тридцати печатных форм. Пигменты наносили кистью или кончиком пальца. Картины печатались на японской мягкой, впитывающей влагу бумаге, а затем отшлифовывались при помощи бамбукового диска барэна. У японцев было несколько жанров гравюры укиё-э – бидзин-га ( изображение красавиц), якуся-э (портреты актёров театра), сюнга (эротические картинки), муся-э (изображения самураев), фукэй-га ( пейзаж) и катё-га — цветы и птицы.

Уки-э – перспективная печать. Вид гравюры укиё-э, в которой применялся заимствованный с Запада прием перспективы. В перспективе изображали интерьеры театров, комнат, а позднее и пейзажи. Первым, кто начал использовать эту технику, был Окумура Масанобу. Затем ее усовершенствовал Тоёхару.

Уруси-э – лаковые картины. Техника печати, при которой на самые заметные части гравюры наносили японский лак – уруси. Иногда лаком покрывались светлые плоскости гравюры, что придавало листам особый блеск и сходство с изделиями из лака. Но чаще тот же эффект получали путем смешивания черной краски (суми) с густым клеем.

Утива-эбан – картины в виде круглых вееров. Гравюра, на которой контур круглого веера образует своего рода обрамление для изображения.

Фукибокаси – техника печати полуподцвеченной (подкрашенной) ксилографии. Такой тип гравюры создается сначала путем протирания нужной части печатной доски с помощью кусочка материи, предварительно смоченного в воде. Затем эта увлажненная поверхность слегка подцвечивается кистью от руки.

Ханга (Hanga) – Южная школа живописи. Это школа японской живописи тушью, направление в японской живописи, сформировавшееся в XVIII веке под влиянием китайской Южной школы «Вэньжэньхуа» (картины культурных людей). Художниками этого направления по-новому осмыслены цели и задачи искусства, осознана ценность личности художника, что нашло отражение в формировании образа жизни художника, или «знаменитости», «интеллектуала», как часто называли адептов Южной школы. Художниками этой школы являлись ученые-конфуцианцы. Их творчество отличалось широким диапазоном тем и приемов. Они привнесли в живопись поэтическую непосредственность, оригинальность видения и трактовки пейзажей. В основном они писали тушью монохромные картины в китайском стиле и обычно дополняли их китайскими стихами, написанными каллиграфически. Рождение китайской Южной школы в Японии связано с приездом китайских художников в Нагасаки около 1720 года. Смотри также бундзинга.
Ханги — печатная доска. Обычно использовалась древесина вишни, иногда груши или самшита. Рисунок, сделанный художником на тонкой, прозрачной бумаге, гравер наклеивал лицевой стороной на доску продольного распила и вырезал первую печатную форму.
Хасира-э – гравюра длинного и узкого формата, наклеивавшегося на столбы. Размер – приблизительно 70 х 20 см. Для хасира-э обычно использовали специальную плотную бумагу.
Хадзама-бан – портретный формат. Размер – приблизительно 33 х 23 см. Хособан Узкий формат. Размер – приблизительно 30-35,5 х 15,5 см.

Э (E) – символом “e” означается картина или гравюра в японском языке, или просто “живопись”.

Якуся-э – жанр японской гравюры направления укиё-э, отражающий жизнь актеров театра Кабуки. Возник в конце 17 века как оформление плаката, афиши, театральной программы. Ранние произведения якуся-э, выполненные в технике ксилографии с яркой подкраской оттисков, создавали героический образ актера — исполнителя остродраматических ролей, привлекали захватывающей стремительностью действия и роскошью театральных одежд. Затем появляются лирические сцены, портреты актеров в процессе работы, в артистической уборной.

Ямато-э (Yamato-e, 大和絵) — школа японской живописи, сложившаяся в XI — XII веках при императорской Академии художеств. Японские художники освобождались от сильного китайского влияния, вместо прокитайского стиля кара-э стали появляться светские по тематике картины в японском стиле. Для мастеров ямато-э характерны яркие силуэтные изображения, горизонтальные свитки, иллюстрирующие аристократические романы, повести, в которых живопись перемежается с каллиграфией. Расцвет ямато-э наступил в 12-14 веках, появилось много выдающихся по технике исполнения произведений чисто светской живописи, включая портретную. Многие художники-профессионалы создавали картины только на светские темы, такие картины изображали и на складных ширмах и сёдзи. Позднее многие характерные черты мастеров этой школы (орнаментальные формы облаков, приёмы параллельной перспективы) вошли составными элементами в произведения школ кано и укиё-э(Ukiyo-e)

Источник